Sin duda, una de las mejores obras musicales de la historia universal de la música, cantada y escrita por el, sin duda también, mejor cantante de la historia.

I ❤️ Freddie!!

¿POR QUÉ LA CANCION SE LLAMA BOHEMIAN RHAPSODY?...

¿POR QUÉ DURA EXACTAMENTE 5 MINUTOS 55 SEGUNDOS ?... ¿DE QUÉ TRATA REALMENTE ESTA CANCIÓN?...¿POR QUÉ LA PELÍCULA DE QUEEN  SE ESTRENÓ EL 31 DE OCTUBRE?

La película se estrenó el 31 de octubre porque el single se escuchó por primera vez el 31 de octubre de 1975. Se titula así porque una "Rapsodia" es una pieza musical libre compuesta en diferentes partes y temas donde parece que ninguna parte tiene relación con la otra. La palabra "rapsodia" proviene del griego y significa "partes ensambladas de una canción". La palabra "bohemian" hace referencia a una región de la República Checa llamada Bohemia, lugar donde nació Fausto, el protagonista de la obra que lleva su nombre escrita por el dramaturgo y novelista Goethe. En la obra de Goethe, Fausto era un anciano muy inteligente que sabía todo excepto el misterio de la vida. Al no comprenderlo decide envenenarse. 

Justo en ese instante suenan las campanas de la iglesia y sale a la calle. De vuelta a su habitación, se encuentra que hay un perro. El animal se transforma en una especie de hombre. Se trata del diablo Mefistófeles. Este, promete a Fausto vivir una vida plena y no ser desgraciado a cambio de su alma. Fausto accede, rejuvenece y se vuelve arrogante. Conoce a Gretchen y tienen un hijo. Su mujer e hijo fallecen. Fausto viaja a través del tiempo y espacio y se siente poderoso. Al hacerse nuevamente viejo se siente desgraciado otra vez. Como no rompió el pacto con el diablo, los ángeles se disputan su alma. Esta obra es esencial para comprender Bohemian Rhapsody. 

La canción habla del propio Freddie Mercury. Al ser una rapsodia nos encontramos con 7 partes diferentes:

1er y 2o acto A Capella

3er acto Balada

4o acto solo de guitarra

5o acto ópera

6o acto rock

7o acto "coda" o acto final

La canción habla de un pobre chico que se cuestiona si esta vida es real o es su imaginación distorsionada la que vive otra realidad. Dice que aunque él deje de vivir, el viento seguirá soplando sin su existencia. Así que hace un trato con el diablo y vende su alma. 

Al tomar esta decisión, corre a contárselo a su madre y le dice...

“Mamá, acabo de matar a un hombre, le puse una pistola en la cabeza y ahora está muerto. He tirado mi vida a la basura. Si no estoy de vuelta mañana sigue hacia adelante como si nada importara...” Ese hombre que mata es a él mismo, al propio Freddie Mercury. 

Si no cumple el pacto con el diablo, morirá inmediatamente. Se despide de sus seres queridos y su madre rompe a llorar, lágrimas y llanto desesperado que proviene de las notas de guitarra de Brian May. Freddie, asustado grita "mamá no quiero morir" y empieza la parte operística. Freddie se encuentra en un plano astral donde se ve a sí mismo: "I see a little silhoutte of a man" (veo la pequeña silueta de un hombre).. "scaramouche, vas a montar una disputa/pelea?

 Scaramouche es "escaramuza" una disputa entre ejércitos con jinetes a caballo (4 jinetes del Apocalipsis del mal luchan contra las fuerzas del bien por el alma de Freddie) y sigue diciendo "Thunderbolt and lightning very very frightening me" (truenos y relámpagos me asustan demasiado). Esta frase aparece en la Biblia, exactamente en Job 37 cuando dice... "the thunder and lightning frighten me: my heart pounds in my chest" (el trueno y el relámpago me asustan: mi corazón late en mi pecho). Su madre al verle tan asustado por la decisión que ha tomado su hijo, suplica lo salven del pacto con Mefistófeles. "Es sólo un pobre chico... “Perdona su vida de esta mostruosidad. Lo que viene fácil, fácil se va ¿le dejarás ir?" sus súplicas son escuchadas y los ángeles descienden para luchar contra las fuerzas del mal." Bismillah (palabra árabe q significa "En el nombre de Dios") es la primera palabra que aparece en el libro sagrado de los musulmanes, el Corán. Así que el mismísimo Dios aparece y grita "no te abandonaremos, dejadle marchar".

 Ante tal enfrentamiento entra las fuerzas del bien y del mal, Freddie teme por la vida de su madre y le dice "Mama mia, mama mia let me go" (madre, déjame marchar). Vuelven a gritar desde el cielo que no van a abandonarle y Freddie grita "no, no, no, no, no" y dice "Belcebú (el Señor de las Tinieblas) es posible que haya puesto un diablo contigo madre". Freddie rinde aquí homenaje a Wolfgang Amadeus Mozart y Johann Sebastian Bach cuando canta...  "Figaro, Magnifico" haciendo referencia a "Las Bodas de Figaro" de Mozart, considerada la mejor ópera de la historia, y al "Magnificat" de Bach. Termina la parte operística e irrumpe la parte más rockera. El diablo, colérico y traicionado por Freddie al no cumplir el pacto, le dice “Crees que puedes insultarme de esta manera? Crees que puedes acudir a mí para después abandonarme? Crees que puedes amarme y dejarme morir?” 

Es estremecedor cómo el señor del mal se siente impotente ante un ser humano, ante el arrepentimiento y el amor. Perdida la batalla, el diablo se marcha y se llega al último acto o "coda" donde Freddie está libre y esa sensación le reconforta. Suena el gong que cierra la canción. El gong es un instrumento utilizado en China y extremo oriente asiático para sanar a personas que están bajo los efectos de espíritus malignos.

5:55 minutos dura. A Freddie le gustaba la astrología y el 555 en numerología está asociado con la muerte, no física, sino espiritual, el final de algo donde los ángeles te salvaguardarán. 555 está relacionado con Dios y lo divino, un final que dará comienzo a una nueva etapa. 

Y la canción suena la víspera de los Santos por primera vez. Una festividad llamada "Samhain" por los celtas para celebrar la transición y apertura al otro mundo. 

Los celtas creían que el mundo de los vivos y de los muertos estaban casi unidos, y el día de difuntos ambos mundos se unían permitiendo que los espíritus transitaran al otro lado. Nada en Bohemian Rhapsody es casual.

 Todo está muy medido, trabajado y tiene un sentido que trasciende más allá de ser una simple canción. Ha sido votada a nivel mundial como la mejor canción de todos los tiempos. 

Este tema supuso un cambio radical en Queen como si realmente hubiera hecho un pacto con el diablo, les cambió la vida para siempre y los hizo inmortales.

Escrito por Jorge Palazón, Madrid, España

Q+AL - Love Kills - Forum - Los Angeles, CA

QUEEN II: Reina Blanca, Reina Negra

DE LA WHITE QUEEN DE MAY A LA MARCHA NEGRA DE MERCURY

Queen II, segundo álbum del grupo, salió a la luz el 8 de marzo de 1974 coincidiendo con su gira  por el Reino Unido. Al contrario de lo que había pasado con su primer disco, para este contaron con el apoyo de los Trident Studios, pudiendo grabar en horarios normales y disponer del tiempo necesario para experimentar con nuevos sonidos.

Lo cierto es que la grabación de Queen II estuvo rodeada de circunstancias muy diferentes: el grupo empezaba a ser tenido en cuenta y contó con más libertad y medios que para su primer disco. De la producción se ocuparon Robin Geoffrey Cable y Roy Thomas Baker (este último ya había coproducido el primer disco del grupo). Mike Stone empezó a colaborar con ellos como ingeniero de sonido, iniciando lo que sería una fructífera unión.

Los legendarios Trident Studios fueron construidos por los hermanos Sheffield (Norman y Barry) en el Soho londinense en 1968. En ellos hicieron sus primeras grabaciones artistas como The Beatles, T-Rex, David Bowie, Elton John, The Rolling Stones, y por supuesto, Queen.

Norman Sheffield fue el mánager de estos últimos hasta poco antes de la grabación de su cuarto disco, A Night at the Opera. A partir de ese momento su colaboración sufrió una ruptura (os hablaremos de ello en números posteriores) total y traumática, hecho que se refleja en el primer corte del citado disco, Death On Two Legs.

Dos fotos, dos épocas, dos grandes personajes

Freddie se inspiró en la famosa fotografía de Marlene Dietrich para crear el diseño de la portada del segundo disco del grupo. Mick Rock, reputadísimo fotógrafo de las estrellas musicales británicas, fue el encargado de fotografíar a los cuatro componentes de Queen, emulando la pose de la gran diva de Hollywood.
Curiosamente, esta idea se repetiría en 1975 para el vídeo de Bohemian Rhapsody, el primer vídeo musical de la historia. El gesto de Freddie y la iluminación de los rostros de los cuatro miembros de Queen componen una perfecta recreación de la pose hierática de la ambigua actriz,  muy admirada por Freddie Mercury.

La composición de Queen II estaba basada en una temática en blanco y negro.
Siguiendo esta línea y en contraste con la oscura foto de portada, Queen II incluía en su interior una foto en la que el grupo iba glamourosamente vestido de blanco. Otra característica especial era que en lugar de caras A y B, el disco estaba formado por caras Blanca y Negra. Cuatro de los cinco temas de la cara Blanca pertenecen a Brian May. El quinto tema corresponde a Roger Taylor, Deacon no había empezado a componer todavía. La cara Negra está formada íntegramente por temas compuestos por Freddie.

Antes hemos comentado que las condiciones que se dieron para la grabación de este disco mejoraron con respecto al anterior. El grupo tuvo, por fin, la opción de utilizar el estudio en las horas habituales de grabación, lo cual les facilitó el poder experimentar con nuevas técnicas y sonidos. Todo ello queda reflejado en este disco, un trabajo en el que se sientan las bases de lo que será la música de Queen hasta bien entrada la década de los ochenta.

Procession. La Cara Blanca se inicia con este breve corte de Brian May, un tema instrumental en el que se superponen grabaciones de la Red Special.

A continuación y enlazado, Father to Son, el segundo tema escrito por Brian May.

Tras las vicisitudes que rodearon la grabación de su primer disco, el grupo lo consideró «desfasado» casi antes de su publicación, que resultó retardada y accidentada. Con Queen II se plantearon hacer una música diferente a la de todos los grupos del momento, aunque la influencia de The Who y Led Zeppelin está presente siempre.
En este tema destacan las grabaciones superpuestas, el sonido de guitarra amplificado se impone al sonido de acorde abierto, marcando la diferencia. Se trataba en todo momento de crear texturas diferentes a la línea melódica principal. Con Queen II sentaron las bases de lo que posteriormente refrendarían en su cuarto y determinante A Night at The Opera.

The White Queen (As It Began).
Una de las más populares composiciones de Brian May entre los fans en aquella época. Asidua dentro de los directos desde antes de la edición del álbum, su melodía suave y melancólica, tan blanca, marcaba contraste con la negra reina de Freddie.

Some Day One Day.
Guitarra acústica y Red Special se unen en esta canción poco conocida en el repertorio en vivo de Queen y que de hecho, nunca se incluyó en concierto. Un tema bellísimo y sugerente. Dato interesante: ¡Brian cantaba como solista por primera vez!

El universo fantástico de Freddie se desvela en la deslumbrante cara Negra. Fragorosas batallas de ogros presentadas como fábulas de tiempos remotos, majestuosas marchas de reinas de la noche rodeadas de séquitos de ninfas y personajes de cuento, ríos y reinos míticos… La imaginación de Freddie está en su punto álgido, dando rienda suelta a ese emotivo universo que inunda mágicamente cada tema de esta cara. Su música sigue las pautas marcadas en el reverso blanco (la línea creativa de May) del elepé, pero con una intensidad mayor y una complejidad que marca la impronta de lo que será la música de Queen en esta primera etapa, desde la dureza de Ogre Battle, hasta la romántica dulzura de Nevermore. Nos encontramos ante formas complejas rebosantes de efectos y armonías vocales, y un importante dominio instrumental que se refleja desde el principio hasta el final.

Ogre Battle.

Llama la atención el inicio de este enigmático tema, en el que la Red Special realiza unos efectos que serán confundidos más de una vez con los creados por sintetizador. Sabido es que el grupo no utilizaría sintetizadores hasta bien entrada la década de los ochenta, con su undécimo album The Game, y que incluía en cada cubierta la frase No Synths, en un intento de declarar sus principios y dejar claro el origen artesanal de su sonido. La guitarra de May suena muy dura y el tema rebosa efectos de fondo, haciendo de ella una canción musicalmente muy compleja y una asidua en los conciertos de la época, ya desde 1973, pues fue escrita un par de años antes de que se publicara Queen II.

Richard Dadd (1817/1886) fue un pintor victoriano, parricida y demente, que realizó su fantástica y minuciosa obra recluido entre los muros de los distintos sanatorios mentales en los que transcurrió más de la mitad de su vida. Su pintura más famosa, The Fairy Feller´s Master-Stroke (El hachazo maestro del leñador mágico) es una obra de corte fantástico, plagada de escenas legendarias, en la que se pone de manifiesto su obsesiva contemplación del detalle. Dadd necesitó nueve años para realizar su obra, actualmente expuesta en la Tate Gallery de Londres. Freddie, que compartía con Dadd su amor por la mitología y las leyendas, compuso la canción del mismo nombre en homenaje al cuadro que tanto le impactó. La letra, que hace referencia directa a las distintas escenas que conforman el cuadro, y los complejísimos arreglos en los que destacan los coros y las guitarras, hacen que cada escucha de este tema de Freddie aporte algo nuevo a descubrir.

La capacidad de Freddie para la música era innata, tanto a nivel de composición como en el plano técnico. Sensitivo e intuitivo, su talento se manifestaba de forma brillante en el uso de los instrumentos, sobre todo, el piano. En esta pieza se atreve incluso con el clavicémbalo.

…incluso en los valles de abajo, donde los rayos del sol eran cálidos y tiernos, ahora ya no hay nada que crezca. ¿No lo ves? ¿Por qué tuviste que dejarme, por qué me engañaste? Y me enviaste al camino de Nunca Jamás. Cuando dijiste que ya no me amabas…

The March of The Black Queen. Un tema sobresaliente en muchos aspectos. Este corte reúne todo el mundo de fantasía de Freddie y su concepción de la música en esta época. Partes de piano, guitarra y armonías vocales tremendamente complejas y grabaciones superpuestas son la base de una pieza de ritmo cambiante, que durante sus más de seis minutos de duración sienta las bases de lo que, dos años después, sería su obra maestra: Bohemian Rhapsody. Efectivamente, no hay Rapsodia sin Marcha. Como no hay final para esta canción, porque enlaza perfectamente con la siguiente. Funny How Love Is.

Nevermore. Este dulcísimo y romántico tema no será una excepción dentro de las composiciones baladísticas que Freddie creará en el futuro. Como característica común a muchas de ellas, destacan el uso de símiles referentes a la naturaleza, y su sencillez. Al piano y con acompañamiento de un coro celestial.

Funny How Love Is.
Piano y guitarra acústica apoyan este poco conocido tema de Freddie, que nos introduce de lleno en…

Seven Seas Of Rhye.
Grabación de la primera aparición de Queen en Top Of The Pops, mítico programa musical de la BBC.

«I do like to be beside the seaside…»
En un principio este tema estaba destinado a abrir Queen II, ya que su inacabada versión instrumental concluía el álbum anterior. Pero a medida de que las sesiones de grabación avanzaban, se decidió que la canción estaría mejor al final. Resulta misteriosa, tanto como el resto de los temas que conforman esta Cara Negra, enigmática e intensa, plagada de guitarras, percusiones, voces. Culmina con el popular «I do like to be beside the seaside», cantado al unísono por el personal del estudio al completo.

Sonido duro y ritmo trepidante para un tema que nació con la vocación de ser un número uno en ventas. El objetivo no se cumplió totalmente ya que a pesar de alcanzar el número 10 en la lista de sencillos, no logró el aplauso y el éxito internacional que se esperaba.
Efectivamente, Seven Seas Of Rhye salió a la venta en el Reino Unido en febrero de 1974, junto con un tema de May no incluido en el álbum, See What A Fool I´ve Been. La publicación se llevó a cabo apresuradamente tras la participación de Queen en el programa Top Of The Pops. Por desgracia para el grupo, no supuso un gran éxito a nivel internacional. En Estados Unidos y Japón, se editaría en junio, meses más tarde.

Impecablemente vestidos para matar
Un espectáculo global

Las puestas en escena del grupo siempre han estado en concordancia con la temática elegida para cada álbum. En esta época, Queen sorprendía a sus fans con sus directos, en los cuales se cuidaban todos los detalles para conseguir un efecto global en el que el vestuario, los efectos de luces y humo, el escenario, incluso la batería, iban coordinados en blanco y negro. Con altísimos tacones, pantalones de satén, capas y túnicas vaporosas, el grupo aportaba una presencia realmente espectacular. La confección de los trajes corría a cargo de la diseñadora londinense Zondra Rhodes, muy de moda en el stage de la capital británica por aquella época. La cuestión era ofrecer a sus seguidores un espectáculo total e impactante y lo conseguían. De hecho, los directos de Queen siempre han sido considerados como los mejores de la historia del rock; nunca han decepcionado en el aspecto visual ni mucho menos en materia musical.

Una mirada atenta nos desvelará lo siguiente: Freddie solo lleva pintadas las uñas de su mano izquierda. Se las pintaba de negro, mientras que Brian llevaba de blanco las uñas de su mano derecha. Son pequeñas muestras de cómo el grupo cuidaba hasta el último detalle. Experimentaban con el maquillaje y utilizaban joyas deslumbrantes y ropas vistosas, con objeto de crear un espectáculo vibrante y atractivo.

En este disco se presenta un estilo más pesado, complejo, sombrío, con muchos solos instrumentales, voces combinadas... Entre los estilos presentes se combina la Ópera Rock, el Rock progresivo, el Hard Rock y el Heavy Metal.
La canción más famosa del disco el Seven Seas of Rhye, cuya introducción musical es una de las mejores de todo el disco. Un piano vivo y rápido introduce la melodía mientras una guitarra dura le da paso a la voz de Freddie. En palabras del propio Brian May:

Todo acontece en los primeros veinte segundos. Durante ese tiempo ya has escuchado casi toda la canción. Primero, un sonido arrollador y luego entra la voz."

El disco goza de una gran diversidad musical: Contiene temas rock, como Ogre Battle; baladas, como Nevermore o White Queen; y experimentos de rock progresivo de corte mitológico, como The Fairy Feller's Master-Stroke. También contiene un tema instrumental, el primero de todos, Procession, una gran introducción a la altura del resto del disco.

De forma personal, mis canciones favoritas son Nevermore (con una voz insuperable, increíbles los límites a los que llega Freddie), Seven Seas of Rhye y, sobre todo, The March of the Black Queen. Para mí esta canción resume la esencia de todo el disco: Un inicio algo pesado, de forma misteriosa e instrumental; una introducción de la voz de forma rápida y casi violenta; una gran cantidad de efectos musicales; aparición constante del coro; y una voz rápida y frenética acompañada de unos solos de guitarra insuperables.

QUEEN II: el disco

White Side

Queen II. Cara Blanca

1. Procession (May)

2. Father to Son (May)

3. White Queen (As It Began) (May)

4. Some Day One Day (May)

5. The Loser In the End (Taylor)

Black Side

6. Ogre Battle (Mercury)

7. The Fairy Feller’s Master-Stroke (Mercury)

8. Nevermore (Mercury)

9. The March of the Black Queen (Mercury)

10. Funny How Love Is (Mercury)

11. Seven Seas of Rhye (Mercury)

Innuendo, la última genialidad de Queen

Innuendo (Insinuación) es el decimocuarto álbum de la banda de rock británica Queen, publicado en febrero de 1991, siendo el último trabajo de estudio editado antes del fallecimiento de su vocalista, Freddie Mercury, en noviembre de ese mismo año.
Innuendo fue grabado entre 1989 y fines de 1990, con un Freddie Mercury que a pesar de encontrarse en una etapa avanzada de SIDA logró interpretar el álbum de forma meritoria. Mercury fue diagnosticado con sida en 1987, aunque lo mantuvo en secreto, hasta que las señales de dicha enfermedad fueron demasiado evidentes. Las sesiones se llevaron a cabo en los Mountain Studios de Suiza y los Metropolis Studios de Londres. El guitarrista de Yes, Steve Howe, participó como solista en guitarra flamenca en la canción homónima que abre el disco.

Hacia el final de la grabación del disco el SIDA recrudece en Mercury y May contó:

«Al final del disco la enfermedad se mostró con toda su dureza”, contó May. “A veces Freddie era incapaz de verbalizar lo que quería expresar. Nosotros, en cierto sentido, aunque suene muy extraño, pero creo que Roger y yo verbalizamos por él; escribiendo algunas de las letras. Porque él había llegado a un punto en el que no podía expresarse con palabras. Así que, en temas como The show must go on, en mi caso, o en Days of our lives en el caso de Roger, era material que le ofrecíamos a Freddie para que pudiera trabajar junto a nosotros.​ No hablábamos sobre ello. Estábamos intentando anticipar el final antes de llegar a él.»
May

Contrariamente a lo que se piensa, este álbum volvió a unir a la banda. May relató:

Había mucha alegría, extrañamente. Freddie sufría dolores, pero podía disfrutar de lo que más le gustaba hacer. A veces eso solo duraba un par de horas, porque se cansaba mucho. Sin embargo, durante ese par de horas, lo daba todo. Cuando no podía tenerse en pie, solía apoyarse en una mesita y se bebía un vaso de vodka y decía: Cantaré hasta que me desangre.

Este álbum alcanzó la posición número uno en las listas en Reino Unido, y se mantuvo ahí durante dos semanas, mientras que en EE.UU. llegó al puesto 30.​ Fue recibido con reseñas mixtas por parte de la crítica, aunque algunas destacaron positivamente una cierta vuelta a las raíces de rock duro y progresivo de la banda. El sencillo homónimo fue un éxito en todo el mundo. Mención especial merece el éxito logrado por el disco al margen del Reino Unido. En Holanda, llegó al número uno, y se mantuvo en esa posición durante cuatro semanas; también llegó a lo más alto en Suiza (ocho semanas), donde obtuvo la certificación de doble platino, en Alemania estuvo seis semanas en lo más alto de las listas (disco de platino por 500.000 unidades vendidas). Del mismo modo fue número uno en Italia, durante dos semanas, donde vendió 400.000 copias sólo durante 1991, y a lo más alto en Finlandia. En España se mantuvo entre los 10 discos más vendidos todo el mes de febrero de 1991.

Este lunes, el último álbum de Queen con Freddie Mercury en vida cumplió 28 años. Con canciones como la que le da el nombre al álbum y "The show must go on" para cerrar, la banda británica finaliza su recorrido discográfico de manera épica.

“El show debe continuar”, “me estoy volviendo ligeramente loco”, “no te ofendas por mi insinuación”.

Tras el exitoso doble concierto en el Estadio de Wembley en 1986, en medio de la gira Magic Tour -la última de la banda-, Queen debía retomar actividad. Y costó, pues gran parte de los integrantes estaban con proyectos en paralelo: Freddie Mercury grabó Barcelona con Montserrat Caballé, Roger Taylor trabajó con la banda The Cross y Brian May produjo algunos grupos.

Así, durante todo un año, de enero a enero (1988 a 1989) “la Reina” grabó una gran cantidad de temas para un futuro “larga duración”. De ellos, “I want it all”, “Scandal”, “Breakthru” y “The Miracle” adquirieron relevancia, tomando esta última como nombre del álbum, el cual fue lanzado en mayo de 1989.

Un punto clave de este trabajo fue que los créditos de composición se adjudicaron a la banda, independientemente de su compositor original. Ello se veía reforzado con la carátula escogida para The Miracle, en la cual salían Deacon, Taylor, Mercury y May -en ese orden-, unidos en un solo rostro.

Pese a que sus compañeros en Queen estaban al tanto del diagnóstico de VIH positivo de Freddie Mercury, los temas tuvieron un matiz más optimista y popero (salvo “I want it all” y “Was it all worth it?”, bastante más rockeras; y “Scandal”, canción en respuesta a la prensa sensacionalista de la época).

Así y todo, faltaba algo más para cerrar. Si bien su estado empeoraba, a Mercury le quedaba energía para cantar, llegando a interpretaciones vocales que parecieran ir contra toda lógica, pero que sustentaron su calidad de leyenda como nunca antes.

Innuendo

“Este álbum es una suerte de continuación de The Miracle, pero creo que es bastante menos popero. Creo que es más rico y tiene mayor profundidad”, afirmaba Roger Taylor sobre Innuendo.

Grabado entre marzo de 1989 y noviembre de 1990, el nuevo disco de Queen se lanzó el 4 de febrero de 1991 y destacó de entrada por el impacto de sus sencillos. El primero de ellos, que le da el nombre a la placa, fue lanzado el 14 de enero del mismo año.

“Pienso que ‘Innuendo’ es una de esas cosas que podría ser gigante o quedaba en nada. Eran los mismos sentimientos que teníamos sobre ‘Bohemian Rhapsody’, comentaba Brian May para un documental del álbum, manifestando de paso la misma interrogante que vivieron con el clásico de Queen: si la duración de la canción iba a ser factor determinante en que la pasaran o no por la radio.

Al igual que “Bohemian Rhapsody”, “Innuendo” significó un retorno a las canciones de varias secciones distintas entre sí, algunas anexadas con gran naturalidad. En ella destacan la tónica de suspenso constante, marcada por una batería que entra jugando con tresillos a modo de marcha; los solos de guitarra, en los que participó Steve Howe (guitarrista de Yes); y por cambios en la métrica, que se perciben con mayor frecuencia en las secciones intermedias.

De singles y otros temas

Retomando el disco, en Innuendo Queen trabajó junto a David Richards, quien aparece en los créditos como productor, además de ser el encargado de programación de computadoras. Él también fue parte del staff en The Miracle.

Los otros sencillos que acompañaron Innuendo, y que contaron con la aparición de Mercury en los videos promocionales, fueron los siguientes:

Además de los singles, hay otras canciones que guardaban un toque más íntimo. “Bijou” y “Don’t try so hard” le dieron un toque dramático al álbum; “Delilah” fue el gusto que Mercury se dio al cantarle a una de sus gatas más queridas; “Hitman” trae el rock de lleno al disco; “Ride the wild wind” mantiene un ritmo constante que recuerda a los temas solistas de Roger Taylor; “I can’t live with you” sirve de respiro; y “All God’s people” es la sorpresa: tiene la nota más alta de pecho lograda por Mercury en estudio (FA5, 0:46 de la canción).

Sin embargo, “All God’s people” no fue la única de las grandes interpretaciones del cantante. Había otras, algunas que cerrarían Innuendo y de paso su carrera de la manera más grandilocuente posible.

El show debe continuar

Tras saber de la enfermedad de Mercury, la banda buscó generar un gran final en sus álbumes. Ya existía un precedente, con “Was it all worth it?”, última canción en The Miracle que hacía un balance de la carrera de Queen. “¿Valió la pena entregar todo mi corazón y mi alma?”, dice parte del estribillo del tema.

Cada día que pasaba, la condición física del vocalista empeoraba. De acuerdo al sitio oficial de Queen, había sesiones de grabación de Innuendo en las que Mercury no podía ponerse de pie. Con ese panorama adverso. llegó “The show must go on”.

Una de las historias en torno a esta canción cuenta que Brian May, compositor del tema, iba a grabar las notas altas para evitar que Freddie Mercury se exigiera más de lo debido, pero que este al enterarse de ello tomó un trago de vodka y pidió grabar él, acompañando con un “I’ll fucking do it, darling”, según recuerda Rolling Stone.

“Por dentro mi corazón se está rompiendo, mi maquillaje puede estar saliéndose, pero mi sonrisa sigue ahí”, dice parte del estribillo de la última canción de Innuendo, el que se transformaría en el último álbum con Mercury vivo.

“The show must go on” fue lanzada como sencillo el 14 de octubre de 1991 en Reino Unido. Eso sí, el single correspondía a la promoción del segundo compilatorio de grandes éxitos, publicado dos semanas después.

Transcurrido un mes de la publicación de “The show must go on”, precisamente un 24 de noviembre, Freddie Mercury falleció. Lo que vino después ya es historia: la banda realizó un concierto tributo al cantante con invitados como Metallica, Gun’s ‘N’ Roses y Elton John; lanzó Made in heaven (1995), el primer disco de estudio póstumo; publicó Live at Wembley; y lanzó algunos compilatorios.

En 1997, tras tocar en vivo con Elton John aquel single de octubre -dos tonos más abajo respecto de la original- y lanzar Queen Rocks, álbum que tenía una canción en homenaje a Mercury (“No one but you”); John Deacon abandonó Queen, dejando a Taylor y May a cargo de mantener viva la leyenda.

Actualmente Innuendo cuenta con ediciones remasterizadas en el 2011, las que se pueden adquirir en el sitio web oficial de la banda. Una de ellas incluye re-mezclas y un b-side llamado “Lost opportunity”, versión que también está disponible en Spotify y que puedes escuchar a continuación.

INNUENDO, QUEEN

Mientras el sol esté en el cielo y el desierto tenga arena, mientras las olas rompan con el mar y se encuentren con la tierra, mientras haya viento, estrellas y arco iris, hasta que las montañas se desmoronen en la llanura, seguiremos intentándolo en la cuerda floja. Seguiremos intentándolo simplemente pasando el tiempo Mientras vivamos de acuerdo a la raza, color o creencia, mientras nos gobernemos por la locura y pura codicia, nuestras vidas dictadas por tradición, superstición, falsa religión, a través de la eternidad una y otra vez seguiremos intentándolo en la cuerda floja, seguiremos intentándolo hasta el fin del tiempo.
A través de la pena y de nuestro esplendor, que no te ofenda mi insinuación. Puedes ser todo lo que quieras ser, solo conviértete en lo que crees que podrías ser. Se libre con tu tiempo, se libre, se libre, rinde tu ego, se libre, se libre contigo mismo!
Si hay un Dios o cualquier clase de justicia bajo el cielo, si hay un porque, si hay una razón para vivir o morir, si hay una respuesta a las preguntas que hemos nacido para preguntar, muéstrate, destruye tus miedos, deja caer tu máscara! Seguiremos intentándolo en la cuerda floja, seguiremos sonriendo, y lo que tenga que ser, será! Tan solo seguiremos intentándolo hasta el fin del tiempo, hasta el fin del tiempo!
De la canción INNUENDO de QUEEN

Queen - It's A Hard Life (Official Video)

Freddie Mercury Tribute - George Michael & Queen

Can anybody find be somebody to love?
Each morning I get up I die a little
Can barely stand on my feet
(Take a look at yourself) Take a look in the mirror and cry
Lord what you're doing to me
I have to spend all my years in believing you
But I just can't get no relief Lord
Somebody (somebody) ooh somebody (somebody)
Can anybody find me somebody to love?

I work hard (he works hard) everyday of my life
I work till I ache my bones
At the end (at the end of the day)
I take home my hard earned pay all on my own
I get down (down) on my knees (knees)
And I start to pray (praise the Lord)
'Til the tears run down from my eyes
Lord somebody (somebody) ooh somebody (please)
Can anybody find me somebody to love?

(He wants help)
Every day - I try and I try and I try -
But everybody wants to put me down
They say I'm goin' crazy
They say I got a lot of water in my brain
Got no common sense
(He's)I got nobody left to believe
Yeah - yeah yeah yeah

Ooh
Somebody (somebody)
Can anybody find me somebody to love?
(Anybody find me someone to love)

Got no feel I got no rhythm
I just keep losing my beat (you just keep losing and losing)
I'm OK I'm alright (he's alright)
I ain't gonna face no defeat
I just gotta get out of this prison cell
One day I'm gonna be free Lord

Find me somebody to love find me somebody to love
Find me somebody to love find me somebody to love
Find me somebody to love find me somebody to love
Find me somebody to love find me somebody to love
Find me somebody to love find me somebody to love
Somebody somebody somebody somebody somebody
Find me somebody find me somebody to love
Can anybody find me somebody to love
Find me somebody to love
Find me somebody to love
Find me somebody to love
Find me find me find me
Find me somebody to love
Somebody to love
Find me somebody to love...

El concierto homenaje a Freddie Mercury para el conocimiento del sida (The Freddie Mercury Tribute Concert for AIDS Awareness en inglés) se celebró en elestadio de Wembley (Londres) el 20 de abril de 1992, cinco meses después de la muerte de Freddie Mercury, y reunió a más de 72.000 espectadores,¹ siendo retransmitido por radio y por televisión para 76 países.² La audiencia estimada de la retransmisión del concierto fue de 500 millones de personas, y la recaudación de 20 millones de ₤.³ El objetivo del evento, aparte de homenajear al artista, era concientizar a la gente sobre la existencia del sida y recaudar fondos para laMercury Phoenix Trust, la fundación que crearon el resto de los integrantes deQueen tras la muerte de Mercury.⁴

El concierto reunió a varios artistas: Metallica, Guns N' Roses, Extreme, David Bowie, Elton John, Def Leppard, Ian Hunter, Mick Ronson, Seal, George Michael,Roger Daltrey, Robert Plant, Bob Geldof, Tony Iommi, Zucchero Fornaciari, Lisa Stansfield, Liza Minnelli, Annie Lennox, Spinal Tap, Paul Young y Chris Thompson.⁵⁶

Freddie Mercury murió de sida —a causa de una afección pulmonar relacionada con esta dolencia—, por la época una enfermedad poco conocida, el 24 de noviembre de 1991. Brian May, John Deacon y Roger Taylor, los miembros con vida de Queen decidieron organizar un concierto para rendir homenaje a su compañero y amigo Freddie Mercury.

El lunes 20 de abril de 1992 se llevó a cabo el concierto en memoria suya junto con otras celebridades. El concierto se realizó en el estadio de Wembley, Inglaterra. En lo más alto se colocó una figura de un Fénix gigante, el cual es el símbolo distintivo de la fundación Mercury contra el sida y fue presidido por Mary Austin, compañera sentimental en vida de Freddie Mercury. Los derechos de transmisión de televisión, radio; y lo reunido con la venta de los boletos fue destinado a esta causa.