"Seamos ese pedazo de cielo, ese trozo en que pasa la aventura misteriosa, la aventura del planeta que estalla en pétalos de sueño."

Vicente Huidobro

Abel Pintos - La Llave (Videoclip)

La soledad se hace carne en mí 
Y la noche parece un desierto 
Pero llegas tú con tu inmensa luz 
Y te declaras dueña de mis sueños

El tiempo viste un color azul 
Parecido a un suspiro del cielo 
De solo saber que te voy a ver 
Y a regalarte todos mis momentos

Vas a verme llegar 
Y vas a oír mi canción 
Vas a entrar sin pedirme la llave 
La distancia y el tiempo no saben 
La falta que le haces a mi corazón

Vas a verme llegar 
Y vas a oír mi canción 
Vas a entrar sin pedirme la llave 
La distancia y el tiempo no saben 
La falta que le haces a mi corazón

La soledad se hace carne en mí 
Y la noche parece un desierto 
Pero llegas tú con tu inmensa luz 
Y te declaras dueña de mis sueños

El tiempo viste un color azul 
Parecido a un suspiro del cielo 
De solo saber que te voy a ver 
Y a regalarte todos mis momentos

Vas a verme llegar 
Y vas a oír mi canción 
Vas a entrar sin pedirme la llave 
La distancia y el tiempo no saben 
La falta que le haces a mi corazón

Vas a verme llegar 
Y vas a oír mi canción 
Vas a entrar sin pedirme la llave 
La distancia y el tiempo no saben 
La falta que le haces a mi corazón

Porque puedo callar mis palabras 
Y escucharte en el viento hablar 
Porque puedo soñar para verte 
Y tenerte aún sin soñar

Vas a verme llegar 
Y vas a oír mi canción 
Vas a entrar sin pedirme la llave 
La distancia y el tiempo no saben 
La falta que le haces a mi corazón

Vas a verme llegar 
Y vas a oír mi canción 
Vas a entrar sin pedirme la llave 
La distancia y el tiempo no saben 
La falta que le haces a mi corazón

Goethe

"Todos los días deberíamos preocuparnos por escuchar buena música, leer hermosos poemas, extasiarnos en lindas pinturas y hablar palabras razonables"

Goethe (1749-1832) Poeta y dramaturgo alemán.

José Manuel Martínez Sánchez

Crepúsculo      

El corazón contempla
paisajes del alma,
nubes serenas, canciones 
del viento.

Llega el crepúsculo...
cerrando la luz sus párpados,
acariciando la noche al sol,
en su cita amante con la luna.

Parpadean estrellas lejanas,
misterios de luz, astros de amor
que resuenan... allá en lo hondo
de nosotros.

OSWALDO GUAYASAMÍN

EL ARTISTA DE LA TERNURA Y LOS ABUSOS DEL HOMBRE

 Quito, 1919- Baltimore, EUA, 1999. Fue un destacado pintor ecuatoriano. Su apellido en “quichua” significa “ave blanca volando”.

SU VIDA Y OBRA

Hijo de padre indígena: José Miguel Guayasamín, de ascendencia quichua y de madre mestiza: Dolores Calero. Su padre trabajaba como carpintero y , más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de 10 hijos.

Comenzó a pintar y dibujar desde su infancia, y vendía sus trabajos a los turistas para costearse los estudios. Aunque hubo que enfrentarse a la oposición paterna, finalmente se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Quito, en la que permaneció durante 7 años y de la que recibió el título de pintor y escultor en 1941, siendo el mejor alumno de su promoción.

Es la época (1932) de ” la guerra de los 4 días”, un levantamiento cívico-militar contra Neptalí Bonifaz. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra “los niños muertos”, marca su visión de la gente y de la sociedad.

El periodo en el que Guayasamín recibió su formación estética fue el de mayor auge de la Escuela Indigenista, y la influencia de esta corriente es evidente desde sus obras iniciales.

En 1942, con 21 años, realizó su primera exposición en Quito, que causó gran escándalo por su marcado carácter de denuncia social. Nelson Rockefeller, coleccionista de arte, impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro.

Entre 1942 y 1943 permanece 6 meses en Estados Unidos (recorre todos los museos, estudia a Goya y el Greco, entre otros grandes pintores). Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente. Orozco ejerció una importante influencia en la definición del lenguaje estético del joven pintor ecuatoriano.

También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja, durante 2 años, por diversos países de América Latina: Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que desde entonces aparece siempre en sus obras.

 “Mi pintura es para herir, para arañar y golpear en el corazón de la gente”.

Oswaldo Guayasamín

En ese largo viaje tomó apuntes para su gran serie “Huacayñan” (“El Camino del llanto”), compuesta por más de 100 telas que giran en torno a la temática del indígena, el negro y el mestizo en América. Éstas se expusieron por primera vez en 1952, en el Museo de Arte Colonial de Quito, en la Unión Panamericana de Washington y en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, realizada en Barcelona (España),  que le concedió el Gran Premio de Pintura.

Su obra humanista, señalada como expresionista con influencia también del cubismo, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en el siglo XX, marcada por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras y las torturas.

Cabezas n° 3, 1957 laca sintética y polvo de mármol tela "La edad de la ira" Colección Pablo Guayasamín, Quito, Ecuador

En 1958 realizó dos importantes murales en el Ecuador: “El descubrimiento del Río Amazonas”, realizado en mosaico veneciano e “Historia del Hombre y la Cultura”.

En 1960 recibió el gran premio del Salón de Honor de la II Bienal de México, que significó el comienzo de su proyección internacional.

Tras varios años de intenso trabajo, en 1968, presentó en México su segunda serie de envergadura “La Edad de la Ira”, compuesta por 260 obras que se agrupan por series ( Las manos, cabezas, el rostro del hombre, los campos de concentración, mujeres llorando). Que luego se exhibió con gran éxito en Barcelona, Praga, París etc. Habla de las guerras y la violencia, lo que el hombre hace en contra del hombre.

El miedo, 1965/68 El rostro del hombre, La edad de la ira - Colección Fundación Guayasamín -  Quito, Ecuador

En 1973 fue nombrado vicepresidente, y luego presidente, de la casa de la Cultura de Quito, cargo que le permitió realizar un amplio programa de difusión cultural.

“Pintar los triunfos es y será tarea de otros artistas”.

Oswaldo Guayasamín

En 1974 recibió la Condecoración del gobierno de Francia, que por primera vez se concedió a un artista latinoamericano.

En 1980 inauguró su mural “Ecuador” en el Consejo Provincial de Pichincha y en 1982, terminó otro mural de 120 metros, llamado “España-Hispanoamérica”, que se encuentra en el Aeropuerto Internacional de Barajas, en Madrid.

En 1981, la Cámara de Representantes del Ecuador reconoció la obra y la trascendencia del artista mediante la creación de la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que el pintor donó sus obras y colecciones de arte, ya que concebía el arte como un patrimonio de los pueblos. Existen dos extensiones de la Fundación: La Casa Museo Guayasamín de Cáceres (España) y la Casa Museo Guayasamín de la Habana (Cuba).

 ” Somos una unidad de 8 mil años de cultura precolombina y seremos un continente que dará al mundo una fuerza de civilización de paz y no de guerra”.

Oswaldo Guayasamín

Guayasamín ha recibido condecoraciones oficiales, doctorados Honoris Causa de Universidades de América y Europa, y ha expuesto en museos de todo el mundo.

                      Los amantes, 1983. Retrospectiva. Colección Fundación Guayasamín - Quito, Ecuador

Dos cabezas, 1986-1987.Oleo pastelado en tela (100x100cm) -  La edad de la ternura,  Colección Fundación Guayasamín - Quito, Ecuador

A partir de 1995 inició en Quito su obra más importante, el espacio arquitectónico llamado “La Capilla del hombre”, a la cual le dedicó todo su esfuerzo, pero falleció en Baltimore en 1999 (EUA), de un infarto de miocardio, sin ver finalizado este proyecto. La Fundación Guayasamín se encargó de terminar su obra, con la ayuda de artistas de la región. Se inauguró en 2002.

” Siempre voy a volver. Mantengan encendida una luz”.

Oswaldo Guayasamín

La tercera gran serie “Mientras vivo siempre te recuerdo”, conocida también como “La Edad de la Ternura”, que abarca de 1996 hasta 1999, es una serie que Guayasamín dedica a su madre y las madres del mundo. En los cuadros se pueden apreciar colores más vivos que reflejan el amor y la ternura entre madres e hijos, y la inocencia de los niños. Su madre murió muy joven (26 años). Guayasamín decía recordar a su madre siempre estando embarazada.

El abrazo, 1999. Óleo sobre tela (100x100)

” Mi madre era como el pan recién salido del horno. Me dio las dos vidas que tengo. Era y sigue siendo una tierna poesía…”

Oswaldo Guayasamín

“Pese a todo no hemos perdido la fe en el hombre, en su capacidad de alzarse y construir; porque el arte cubre la vida. Es una forma de amar”.

 Oswaldo Guayasamín

http://www.capilladelhombre.com/index.php/obra/la-ternura

http://www.milartgranada.com/oswaldo-guayasamin-artista-la-ternura-los-abusos-del-hombre/

ABEL PINTOS, AVENTURA

Suelo detenerme frente algún espejo 
Porque en el reflejo siempre estas ahí. 
Suelo andar de noche como un vagabundo 
Naufragando ciego en este mar profundo 
De sentirte tanto y no tenerte aquí. 

Te extraño y me siento solo sino estas conmigo 
Aunque vas prendida en todos mis sentidos, 
Todos los rincones de mis pensamientos. 

Te amo, con la vida entera, con el alma mía 
Segundo a segundo, te amo día a día 
En cada latido de mis sentimientos. 

Quiero que me entiendas todo lo que digo, 
Quiero que lo escuches en esta canción. 
Todo lo que tengo todo lo que vivo 
Ya no vale nada, no tiene sentido 
Sino escucho el brillo de tu dulce voz. 

Te extraño y me siento solo sino estas conmigo 
Aunque vas prendida en todos mis sentidos, 
Todos los rincones de mis pensamientos. 

Te amo, con la vida entera, con el alma mía 
Segundo a segundo, te amo día a día 
En cada latido de mis sentimientos. 

Ojala tu abrazo fuera un cielo eterno. 
Ojala mi mundo terminara en ti. 
Gracias a la vida y a Dios que te tengo 
Y que puedo darte lo mejor de mí.

La verdad no se revela a sí misma en el parloteo de una conversación, ni puede ser persuadida de traicionar sus secretos a una página impresa. La verdad habla solo en la profunda quietud de El Silencio.

Delaunay Sonia

Gradizhsk, óblast de Poltava, (Ucrania) 1885 – París 1979

Sarah Ilínichna Stern más conocida como Sonia Delaunay, fue una pintora y diseñadora francesa, nacida en Ucrania. Junto con su marido Robert Delaunay fueron grandes representantes del arte abstracto y creadores del simultanismo.

Nació el 14 de noviembre de 1885 a Gradizhsk, óblast de Poltava, Ucrania, en una familia muy modesta que ya tenía tres hijos, ante la imposibilidad de hacerse cargo de la niña, la familia la envió a casa de sus tíos maternos, en un principio la acogieron y finalmente la adoptaron legalmente. En 1903 la familia Terk la envió a Alemania para continuar sus estudios en la Universidad de Karlsruhe. Dos años más tarde se trasladó a París y se matriculó en la Academie de la Palett. Durante esta época se inició en el mundo del grabado de la mano de Grossman.

Sonia Delaunay, Mercado Portugués, 1915, Óleo y cera sobre lienzo, 90.5 x 90.5 cm, imagen digital, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Florencia

Para evitar las presiones familiares que le exigían volver a Rusia, pacta un matrimonio de conveniencia con Wilhelm Uhde, y se casan en 1909 en Londres. Uhde introdujo Sonia en los círculos artísticos de Braque, Picasso, Derain y Vlaminck. Robert Delaunay también frecuentaba estos círculos artísticos, y pronto se dieron cuenta de que compartían las mismas preocupaciones artísticas. La relación entre los dos artistas se fue consolidando, y en 1910 Sonia se divorcia de Uhde y se casa con Robert Delaunay. Él la animó a decantar sus investigaciones y obras hacia las artes aplicadas, y en cierto modo Sonia abandona la pintura como medio de expresión y se adentra en estas otras técnicas artísticas. La pareja se instaló en la Rue des Grands Augustins, donde mantuvieron un taller hasta 1935. Y en torno al matrimonio Delaunay-Terk se formó un círculo de pintores, músicos y escritores, entre los que estaba Apollinaire.

Coincidiendo con el nacimiento de su hijo Charles, Sonia creó su primera obra abstracta, una colcha de patchwork para la cuna de su hijo. Hecho con retales de ropa que combinaban una serie de colores contrastados. A partir de ese momento, y animada por la admiración que había despertado entre sus compañeros artistas comenzó a diseñar pequeños objetos de decoración con colores vivos, primero por casa, pero poco a poco fue diseñando objetos por sus amigos y miembros del círculo de artistas que frecuentaban su casa. Pintó sus primeros Contrastes simultáneos, y crea las sus primeras encuadernaciones a base de collage para los “libros que ama” (Rimbaud, Mallarmé o Apollinaire).

En 1913 participó en el Primer Salón de Otoño de Berlín, donde expuso una veintena de pinturas y objetos. Un año más tarde participó en el Salón des Indépendants en París donde expone sus Prismas eléctricas. Diseñó varios carteles publicitarios para marcas como Dubonnet, Zèntih o Chocolat y continuó colaborando con Cendrars, el cual le dedicó el poema Sur la robe ella a un corps, inspirado por los vestidos simultáneos de Sonia.

El verano de 1914 la familia Delaunay estaba de vacaciones en Fuenterrabía, al estallar la guerra deciden quedarse en España, ya que Robert Delaunay había sido declarado inútil para el servicio militar, y se instalaron en Madrid. Durante este periodo Sonia comienza una serie de pinturas Chanteurs de Flamenco. Al año siguiente marchan en Lisboa y se alquilan una casa en Vila do Conde, que compartían con Eduardo Vianna y Sam Halpert. Durante esta estancia en Portugal se reencontraron con Amadeo de Souza-Cardoso al que habían conocido en París, y también entran en contacto con otros artistas portugueses como José Pacheco y José de Almada-Negreiros. Inició un periodo de actividad muy intensa, recupera los temas figurativos e imágenes cotidianas, donde expresa esta influencia de la luz en los colores de sus composiciones.

En 1921 atraídos por las nuevas ideas y las nuevas corrientes artísticas que se producen en París, los Delaunay deciden volver a la ciudad. En 1923 se encargó de realizar el vestuario de una obra de Tzara, Le coeur à gaz, el espectáculo terminó con la intervención de la policía, pero los trajes de Sonia fueron todo un éxito, y la crítica se hizo eco de sus composiciones.

Al año siguiente participó en un acto en favor de los refugiados rusos, donde presentó la “moda del futuro”, maniquíes vestidos con sus diseños y acompañados por un poema de Joseph Delteil. En 1925, el trabajo de diseño de Sonia constituía una ampliación del concepto de modernidad llevado a la cotidianidad, por lo que se su nombre se convirtió en un sinónimo de “estilo moderno”.

Ville de Paris

En 1926 participa en la exposición “Trente años de arte independiente” en el Grand Palais. Junto con su marido, se aventuran en el mundo del cine, donde diseñaron los decorados y el vestuario de las películas Le P’tit Parigot de LeSomptier, y Vertige de Marcel de L’Herbier.

A partir de 1945 se instaló de nuevo en París, dedica sus esfuerzos a que se reconozca el talento de Robert, y junto con Louis Carré organizaron la primera retrospectiva de Robert Delaunay en 1946. Conjuntamente con Fredo Side organizaron el primer Salon des Réalités Nouvelles, el único requisito era la no figuración, y en el que ella participó en varias ocasiones. A partir de 1950 se comienzan a publicar recopilaciones de sus obras, litografías, ilustraciones, gouaches… continúa trabajando en su obra, investigando sobre el color, y ampliando su producción hacia el campo de los mosaicos y los vitrales.

En 1958, el Städtischs Kunsthaus de Bielefeld (Alemania) organizó la primera gran retrospectiva de la obra de Sonia Delaunay, con un total de 250 obras.En 1971 decora un automóvil, un Matra 530, los beneficios de la venta se destinaron a la investigación médica. Su preocupación constante por la aplicación del color más allá de la pintura, queda demostrada en la aplicación de sus principios en una amplia variedad de técnicas artísticas. En 1975 fue nombrada por el estado francés Oficial de la Legión de Honor. En 1978 publicó el libro Nuevos Irons jusqu’au soleil, donde Sonia reflexiona sobre su trabajo y el de Robert, como el matrimonio compartía una misma visión estética, expresada en unas formas similares, pero que se materializó en técnicas diferentes.

En 1979 sufrió un accidente que redujo bastante su movilidad, sin embargo continuó pintando. Su última obra fueron unos gouaches para la gran retrospectiva organizada por el Museo Albright-Knox de Buffalo. Murió en su taller el 5 de diciembre de 1979.

Capilla Sansevero, Nápoles

La Capilla Sansevero (también llamada la Iglesia de Santa Maria della Pietà o Pietatella) es uno de los museos más importantes de Nápoles . Situado cerca de la Piazza San Domenico Maggiore , la iglesia, ahora desacralizada, que está al lado del palacio de la familia de los principios de Sansevero , está separado por un callejón, una vez coronado por un puente colgante que permitía a los miembros de la familia tengan acceso privado al lugar de culto 

La capilla alberga obras maestras como el Cristo Velado por Giuseppe Sammartino , conocido en todo el mundo por su mármol en polvo que casi se cierne sobre el Cristo muerto, La modestia de Antonio Corradini y La desilusión de Francesco Queirolo , y es en su conjunto un complejo único y lleno de significados. Es también el hogar de numerosas otras obras de mano de obra fina o inusual,  como las máquinas anatómicas , dos totalmente despojado a los órganos de hueso en los que es posible observar, de una manera muy detallada, todo el sistema circulatorio. 

Además de ser diseñado como un lugar de culto, el mausoleo es ante todo un simbolismo de carga templo masónico, lo que refleja el genio y el carisma de Raimondo di Sangro , séptimo príncipe de San Severo, al cliente y al mismo tiempo creador artístico del siglo XVIII del aparato capilla. 

"El Desengaño" (Il desenganno), obra maestra de Francesco Queirolo, sucesor de Antonio Corradini. En ella se representa al ser humano liberándose gracias a la inteligencia (que aparece junto a él en forma de un niño con alas) de las redes que lo mantienen atrapado

(los nudos son una exhibición artística de increíble virtuosismo) 

La maravillosa obra de Giuseppe Sanmartino que preside el centro de la capilla es el Cristo velado

El Cristo Velado, según la leyenda, no tenía velo originariamente, pero Raimondo di Sangro consiguió a través de experimentos en su laboratorio que una  fina tela solidificase sobre el cristo yacente y se asimilara al mismo material del mármol.

"La Verdad Velada" o "La Modestia"de Antonio Corradini El realismo del desnudo  impacta

  y la talla del velo es de un virtuosismo que roza la perfección.

Duran Duran - Come Undone (Official Music Video)

William Osorio Nicolás

Cambio besos por abrazos y miradas por sonrisas.

Cambio tiempo por espacio y soledad por compañía.

Cambio mis noches de insomnio, por la claridad de tus días.

Y si me das a elegir,

cambio la eternidad de mi muerte, por un minuto de tu vida.

America - Sister Golden Hair (HQ Original)

Monsegur

Mural que se encuentra en Tigre! Estrada 1198 y Esmeralda.

Del artista plástico Raúl Monsegur, realizado en una pared virgen titulado "Los Junqueros". Es una casa de dos plantas con techo de chapa, ubicada en una esquina. Está rodeada por un corredor descubierto con baranda, al que comunican las habitaciones mediante puertas-ventanas. 
Raúl A. Monsegur fue un artista plástico de vasta trayectoria. En 1944 instala su hogar en una balsa diseñada por él mismo, la "Teresa Marina", que a la vez era su atelier. Allí vivió con su familia durante 6 años navegando constantemente por el Paraná, identificándose de manera entrañable con el río, el ambiente y el hombre del Delta. El junquero fue el principal personaje de su obra. De vuelta en tierra firme, decide instalarse en Tigre, abre su taller, y vive los últimos años de su vida.

Algunas de sus obras: "El acordeonista", "Madre Río", "Historia Contada a la Arena", "Pez del Río de la Culebra", "Chamamé", "Las Cuatro Estaciones en el Delta" , mural ubicado en el Banco Provincia sucursal Tigre.

TODAS LAS CARTAS DE AMOR... FERNANDO PESSOA

"Todas las cartas de amor son 
ridículas.
No serían cartas de amor si no fueran 
ridículas.
En mis tiempos también escribí cartas de amor,
como las demás,
ridículas.
Cuando hay amor, las cartas de amor
tienen que ser
ridículas.
Y es que, en fin,
sólo las criaturas que no han escrito jamás
cartas de amor
son las que son
ridículas.
La verdad es que hoy
mis recuerdos de aquellas cartas de amor
son los que son
ridículos
(todas las palabras esdrújulas,
como los sentimientos esdrújulos,
son naturalmente
ridículas.)"

FERNANDO PESSOA

Soda Stereo - Algún Día

"Algún Día" es una canción de la banda de rock argentina Soda Stereo. Fue lanzada en 1997 como un tributo a la banda británica Queen. Es una adaptación al español de la canción Some Day One Day perteneciente al álbum Queen II de 1974, aunque la letra en español no es exactamente igual a la original. La letra fue adaptada y escrita por Gustavo Cerati. Por ello en los créditos, en el tema figuran como compositores Brian May y Gustavo Cerati. Es una de las canciones preferidas de los fanáticos de la banda.

Esta canción tiene un significado especial tanto para la banda como para los fanáticos, ya que fue la última canción grabada en estudio por la banda antes de su separación en 1997.

Durante la Gira Me Verás Volver de 2007, la banda la utilizó como "telón" de sus conciertos, sonando la versión de estudio justo antes de que iniciara cada concierto. Muy posiblemente la eligieron porque con esta gira ellos volvían luego de diez años de separación, y la letra dice "si piensas volver... algún día".

La música es muy parecida a la versión original de Queen.

PROVERBIOS Y CANTARES (Nuevas Canciones) (1ª Parte) Antonio Machado

VIII
Hoy es siempre todavía. 

I
El ojo que ves no es
ojo porque tú lo veas; 
es ojo porque te ve. 


II
Para dialogar, 
preguntad, primero; 
después... escuchad. 


III
Todo narcisismo
es un vicio feo, 
y ya viejo vicio. 


IV
Mas busca en tu espejo al otro, 
al otro que va contigo. 


V
Entre el vivir y el soñar
hay una tercera cosa. 
Adivínala. 


VI
Ese tu Narciso
ya no se ve en el espejo
porque es el espejo mismo. 


VII
¿Siglo nuevo? ¿Todavía
llamea la misma fragua? 
¿Corre todavía el agua 
por el cauce que tenía? 


VIII
Hoy es siempre todavía. 


IX
Sol en Aries. Mi ventana
está abierta al aire frío
--¡Oh rumor de agua lejana!— 
La tarde despierta al rio. 


X
En el viejo caserío
--¡oh anchas torres con cigüeñas!— 
enmudece el son gregario, 
y en el campo solitario
suena agua entre las peñas. 


XI
Como otra vez, mi atención
está del agua cautiva; 
pero del agua en la viva
roca de mi corazón


XII
¿Sabes, cuando el agua suena, 
si es agua de cumbre o calle, 
de plaza, jardín o huerta? 


XIII
Encuentro lo que no busco: 
las hojas del toronjil
huelen a limón maduro. 


XIV
Nunca traces tu frontera, 
ni cuides de tu perfil; 
todo eso es cosa de fuera. 


XV
Busca a tu complementario, 
que marcha siempre contigo, 
y suele ser tu contrario. 


XVI
Si vino la primavera, 
volad a las flores; 
no chupéis cera. 


XVII
En mi soledad
he visto cosas muy claras, 
que no son verdad. 


XVIII
Buena es el agua y la sed; 
buena es la sombra y el sol: 
la miel de flor de romero, 
la miel de campo sin flor. 


XIX
A la vera del camino
hay una fuente de piedra, 
y un cantarillo de barro
-glu-glu- que nadie se lleva


XX
Adivina adivinanza, 
que quieren decir la fuente, 
el cantarillo y el agua. 


XXI
...Pero yo he visto beber
hasta en los charcos del suelo. 
Caprichos tiene la sed... 


XXII
Sólo quede un símbolo: 
quod elixum est ne assato. 
No aséis lo que está cocido. 


XXIII
Canta, canta, canta, 
junto a su tomate, 
el grillo en su jaula. 


XXIV
Despacito y buena letra: 
el hacer las cosas bien
importa más que el hacerlas. 


XXV
Sin embargo... 
¡Ah!, sin embargo, 
importa avivar los remos, 
dijo el caracol al galgo


XXVI
!Ya hay hombres activos! 
Soñaba la charca
con sus mosquitos. 


XXVII
¡Oh calavera vacía! 
¡Y pensar que todo era
dentro de ti, calavera!, 
otro Pandolfo decía. 


XXVIII
Cantores, dejad
palmas y jaleo
para los demás. 


XXIX
Despertad, cantores: 
acaben los ecos, 
empiecen las voces. 


XXX
Mas no busquéis disonancias; 
porque, al fin, nada disuena, 
siempre al son que tocan bailan. 


XXXI
Luchador superfluo, 
ayer lo más noble, 
mañana lo más plebeyo. 


XXXII
Camorrista, boxeador, 
zúrratelas con el viento


XXXIII
Sin embargo... 
¡Oh!, sin embargo, 
queda un fetiche que aguarda
ofrenda de puñetazos


XXXIV
''O rinnovarsi o perire''... 
No me suena bien. 
Navigare é necessario... 
Mejor: ¡vivir para ver! 


XXXV
Ya maduró un nuevo cero, 
que tendrá su devoción: 
un ente de acción ta huero
como un ente de razón. 


XXXVI
No es el yo fundamental
eso que busca el poeta, 
sino el tú esencial. 


XXXVII
Viejo como el mundo es
-dijo un doctor-, olvidado, 
por sabido y enterrado
cual la momia de Ramsés. 


XXXVIII
Mas el doctor no sabía
que hoy es siempre todavía. 


XXXIX
Busca en tu prójimo espejo; 
pero no para afeitarte, 
ni para teñirte el pelo. 


XL
Los ojos por que suspiras, 
sábelo bien, 
los ojos en que te miras
son ojos porque te ven. 


XLI
-Ya se oyen palabras viejas. 
-Pues aguzad las orejas. 


XLII
En seña el Cristo: a tu prójimo 
amarás como a ti mismo, 
mas nunca olvides que es otro. 


XLIII
Dijo otra verdad: 
busca el tú que nunca es tuyo
ni puede serlo jamás


XLIV
No desdeñéis la palabra; 
el mundo es ruidoso y mudo, 
poetas, sólo Dios habla


XLV
¿Todo para los demás? 
Mancebo llena tu jarro
que ya te lo beberán. 


XLVII
Autores, la escena acaba
con un dogma de teatro: 
En el principio era la máscara


XLVIII
Será el peor de los malos
bribón que olvide
su vocación de diablo. 


LXIX
¿Dijiste media verdad? 
Dirán que mientes dos veces
si dices la otra mitad


L
Con el tú de mi canción
no te aludo, compañero; 
ese tú soy yo. 


LI
Demos tiempo al tiempo: 
para que el vaso rebose
hay que llenarlo primero. 


LII
Hora de mi corazón: 
la hora de una esperanza
y una desesperación. 


LIII
Tras el vivir y el soñar, 
está lo que más importa: 
despertar. 


LIV
Le tiembla al cantar la voz. 
Ya no le silban sus coplas, 
que silba su corazón. 


LV
Ya hubo quien pensó: 
Cogito ergo non sum, 
¡Que exageración! 


LVI
Conversación de gitanos: 
—¿Cómo vamos, compadrito? 
—Dando vueltas al atajo. 


LVII
Algunos desesperados
sólo se curan con soga; 
otros con siete palabras: 
la fe se ha puesto de moda